Lady in the Lake (1946)

Lady in the Lake är Robert Montgomerys magnifika misslyckande. Han gjorde denna Philip Marlowe-film för studion MGM. Storyn är att MGM sparkade Montgomery efter att filmen blivit ett fiasko.

Han spelar själv Marlowe men vi får knappt se honom i bild. Han lufsar förbi några få gånger via speglingar. Montgomerys briljanta idé var att göra filmen i first person point of view på samma sätt som Raymond Chandlers böcker var skrivna. Filmen är en adaption av boken med samma namn från 1943.

Bissart nog så inleds filmen med att Montgomery sitter vid ett stort skrivbord och presenterar filmen som ett annat State of the Union.

Handlingen kan jag inte ens komma ihåg. Philip Marlowe är less på sitt jobb som P.I. och försöker sig på författaryrket. Han får i uppdrag att söka reda på någons fru. Han vadar genom olika femmes inklusive den fatale. Det händer en massa saker.

Jag tyckte ändå att filmen var underhållande när jag såg den. Det är en vattendelare med point of view experiementet, jag accepterade det denna gång. Det är väl inte så många filmer som filmats så som denna? Har vi några exempel av detta? Skriv av er i kommentarfältet.

Japp, det var det. Vagt positiv räcker till en svag trea.

Betyg: 3/5 

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 28:a september, 2026. 

Scarlet Street (1945)

Scarlet Street är helt ok utan att sticka ut. 

Edward G. Robinson spelar en helt vanlig man med sinne som oljemålare. Han jobbar som en accountant på en bank och målar egensinniga målningar på fritiden. 

När han så misstas för en miljonär av filmens femme fatale och hennes busiga pojkvän går det dåligt för vår milda och vänlige bankanställde. 

Han blir lurad att han kanske har chansen på den vackra och mycket yngre fatale, som skulle kunna frigöra honom ur klorna på hans demoniskt elaka fru, som tagen från The Wall, tänk lärarens sadistiske fru hemmavid.

Filmen är lagom spännande och lagom underhållande. Robinson spelar mot Joan Bennett och Dan Duryea, dvs samma trio i ungefär samma roller som i The Woman in the Window från året före. Båda filmerna är regisserade av Fritz Lang så det var väl inte direkt någon tillfällighet. Robinson tyckte tydligen att det blev för mycket upprepning av samma teman vilket jag kan hålla med.

Filmen sticker dock ut i beskrivningen om hur det går för vår huvudperson. Hans öde håller sig fast i minnet. Utan slutet hade filmen fallit i glömska fort.

Betyg: 2,5/5

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 21:a september, 2026. 

Mildred Pierce (1945)

Mildred Pierce är ett melodrama med Joan Crawford i titelrollen. Hon är magnifik i rollen och hon vann lämpligt nog en Oscar för bästa kvinnliga huvudroll för 1945.

Dramat i filmen drivs mest framåt av Mildreds extremt elaka och otrevliga socitetssökande dotter Veda. Den unga tonåring är något av dottern från helvetet för Mildred men också filmens guld. Det är lustfyllt på ett egendomligt sätt att se en sådan utstuderat ond dotter till den plågade men godhjärtade modern.

Filmen har inte bara Veda nejdå den innehåller otrohet, skilsmässa, hard ship, sliskiga business men, än mer sliskiga charmör ur överklassen och ett mord. Just detta med mordet är något som filmen adderade när den gjordes om från ett melodrama till ett melodrama film noir. Filmen bygger på James M. Cains bok med samma namn och där vadr det hårdkokt drama för heöa slanten, inga mord. 

Filmen är bättre som ett renodlat drama än en film noir tycker jag. Den är snyggt gjord, vi får V.O. och flashbacks, foto är najs och allt det där, men det är mer eller mindre oavbrutet ren diskbänksrealism. Jag saknar stämningen, miljöerna, de vackra men sluga damerna och de hårdföra privatdetektiverna som vi finner i många av de bättre film noir. Här är det en mix av genrer där jag inte är ett fan av den ena halvan.

Filmens ljuspunkter var få, men karaktärerna Ida (Eve Arden) och Wally (Jack Carson) var lite underhållande.

Jag fann filmen bra gjord med genomgående bra skådespeleri och bra regi, men filmen var rejält tråkig. Och det är en dödssynd. En dödssynd!

Ibland är en film tråkig endast på pappret men den skapar något spännande som kittlar mitt intresse. Denna film hade möjligheter att vara en sådan film men det hände aldrig för mig. Det kan vara att den hade behövt ha en liten glimt i ögat, eller ha lite distans till sig själv och inte tagit sig själv på så sablans mycket allvar.

När man mest hela tiden sitter och väntar på slutet kan det inte bli ett högt betyg. En svag tvåa, Carl be damned!

Betyg: 2/5

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 21:a september, 2026. 

Who’s Afraid of Virginia Woolf? (1966)

45 minuter in i titten är jag tvungen att pausa och begrunda mitt beslut. Elizabeth Taylor och Richard Burton har då oavbrutet skrikit riktigt vidriga elakheter åt varandra. Jag är helt utmattad. Vad är detta?

Filmen och efterfesten startar klockan två på småtimmarna. Värdparet samt deras två unga gäster dricker kopiösa mängde starksprit, och paret Taylor-Burton försöker slå världsrekord i att vara elaka mot varandra och gästerna. Titten har inte startat bra. Jag famlar i mörkret. Jag kan ta ett bombardemang av extrem ilska så länge jag förstår vad filmen leder till. Vad är poängen med filmen?

Jag tar en paus och försöka hitta motivation att titta vidare. Om bara filmen har en poäng, om denna långa "set-up" leder till något intressant. Jag söker frågor utan att få svar, jag är lämnad till mig själv att bestämma om jag ids titta vidare. Efter ett tag trycker jag med darrande finger på play igen.

Just efter min paus ändrar filmen karaktär. Burton och unge herren på besök (George Segal) drar sig ut i trädgården. Deras samtal blir intressant. Unga damen (Sandy Dennis) får också mer speltid. Filmen erbjuder en nyansskillnad i tonalitet. Därefter åker alla fyra till en nattöppen bar för att dricka mer alkohol. Elakheter, spydigheter och förnedringar i form av sällskapsspel som Burton tvingar på gruppen fortsätter, men filmens röda tråd börjar ta form. Jag finner fast mark under fötterna och den hemska känslan att vara förlorad på ett stormigt hav sjunker långsamt tillbaka.

Det pratats mycket om Taylors och Burtons son som är iväg på college. Det unga paret avslöjar att de gifte sig för att hon var gravid, något som senare visade sig vara ett skenhavandeskap. Som hon sa i alla fall. Den observante tittaren tolkar det måhända som en abort i smyg. Kommer de unga kunna få barn igen eller var detta deras chans? Med tanke på var Taylor och Burton befinner sig i livet en sådär 25-30 år äldre får vi verkligen hoppas att de unga tu hittar sin väg i livet. 

Allt handlar om barnet. Sonen. Filmen blir bättre och bättre ju längre in i Taylors huvud vi kommer. Filmen är en tragedi, den är sorglig som fan. Slutscenerna är helt otroliga. Chocken. Vilken vändning filmen har gjort! Allt är förlåtet! 

När man bestämmer sig för att se vidare på en film som inte varit bra den första halvtimmen hoppas man alltid att filmen ska bli bättre, och att dess svaga inledning ska få någon betydelse mot slutet som gör allt elände värt det. Detta är beviset för att sådana filmer finns. Jag vet inte om jag kommer vara så himla sugen på att se om filmen, men den var osannolikt bra till slut. 

Ett mästerverk.

Filmen ska absolut ses ospoilad så jag har varit medvetet vag om vad filmen handlar om egentligen. Filmen är bra även om du är spoilad men den riktigt tunga effekten, som kan vara livsomvälvande, får du endast helt ospoilad.

Detta är en magnefik film. Den blev nominerad i alla katagorier vid oscarsgalan 1967 men vann endast bästa kvinnliga huvudroll och bästa kvinnliga biroll. Jag tycker nog att alla fyra var i princip lika bra. Det känns lite fel att separera dem, de gick alla in i helvetet och kom ut på andra sidan. Elizabeth Taylor är förvisso extraordinär i de sista scenerna och oscarsjuryn kunde inte neka henne utmärkelsen. Rimligt.

Vilket betyg sätter jag på detta då? Ofta tänker jag att en film ska ligga och marinera över tiden innan den kan jackas upp till en femma. Men jag kände mig så omskakad efter titten att filmen inte lämnade mig förrän efter flera dagar, och det har nu gått veckor sedan jag såg filmen. Jag vill ge filmen en femma redan nu efter första titten. Yep, I'm doing it.

Betyg: 5/5

Gambit (1966)

Gambit är en actionkomedi med Michael Caine, Shirley MacLaine och Herbert Lom. Det känns som att den är en av många filmer som poppade upp efter att Dr. No startat James Bonds segertåg på biograferna.

Filmen är en heist-film där Michael Caines Harry med kumpan har en plan. Nicole, spelad av Shirley MacLaine rekryteras och sedan ska de blåsa den stenrika Shahbandar spelad av Herbert Lom. 

Som vanligt får vi en inledande del där hesiten planeras. Men istället för skurkar som står lutade över ett stort bord och planerar ser vi hela stöten genomföras i en kortare sekvens, likt ett "training montage" från valfri Rocky-film. De har gjort det lite intressant då Nicole som ännu inte presenteras på riktigt i filmen spelas helt livlös. Hon säger inte ett ord och stirrar med tom blick mot horisonten. Hon är lika lealös som en uppblåsbar Barbara!

Det var lite jarring minst sagt. Men så snart planeringsfasen är över introduceras vi till henne och hon är filmens behållning med charm, humor och en stor portion spunkyness.

Michael Caine är alltid bra men detta var kanske inte direkt min favoritroll från honom. Han duger, javisst, såklart att han duger. Herbert Lom var inte lika elak i rollen som stenrik gangster som förväntat vilket var något av en besvikelse, men ändock kul att se i en något mer seriös roll än i rosa Pantern-filmerna..

Klart godkänt, men inget man lägger på minnet. En tvåa.

Betyg: 2/5

Murder, My Sweet (1944)

Murder, My Sweet adderades till vår Film Noir-podd efter starka påtryckningar från Göteborg. Detta är ju en adaption av Raymond Chandlers bok Farewell, My Lovely. Patrik argumenterade framgångsrikt att alla Philip Marlowe-filmer från eran borde vara med i podden och vi svarade JA, SJÄLVKLART. Därmed adderades denna film och Lady in the Lake (episode 6).

Farewell, My Lovely blev för övrigt också adapterad 1975, då med Robert Mitchum i rollen som Marlowe. Den är svettig. Det finns också en kortare film från 1942 The Falcon Takes Over. Den ingick i en serie och vi valde bort den.

Nåväl. I denna film spelar sång- och dansmannen Dick Powell Marlowe. Powell ville bredda och utveckla sig. Han gör ett hyfsat jobb men kommer sannerligen inte upp i samma nivå som Bogart eller andra tungviktare i branschen. 

Den kvinnliga huvudrollen spelas av Claire Trevor som vi älskade i John Fords Stagecoach från 1939. Diligensen blev ju som bekant genombrottet för en viss John Wayne. Trevor spelade nattfjärilen Dallas i den rackarn. Vi börjar få lite bättre koll på gammal film, eller hur, va?

Ahhhhh, vilken ljuvlig film noir! Tack Patrik för uppmaningen att vi skulle addera Marlowe!

Detta är en höjdare, riktigt najs. Den kändes som något av den ultimata film noir-filmen. Filmen har en otroligt cool dialog. Screenplay är skrivet av en man vid namn John Paxton. Jag känner inte till honom. Han skrev manus till fler film noir bland annat den relativt kända Crossfire från 1947. Den kom inte med i vår lista.

Marlowe arbetar precis som James Bond med kaos som taktik. De skapar så mycket kaos som möjligt medvetna om att de kan hantera det bättre än fienden. Marlowe åker på stryk några rundor men det verkar vara en av genrens troper. Filmen är rörig som en noir ska vara men ändå klar på något sätt. Jag gillade den skarpt.

Filmens snyggast filmade scen är den andra gången vi besöker strandhuset. Claire Trevor ligger i skuggan i soffan och röker. Hon är helt dold i skuggorna. Det enda vi ser är rökmolnet från cigaretten och dess glöd i det becksvarta. Ett lysande foto!

Andra tropes är att hela historien berättas i flashbacks. Är det ok? Jag stör mig inte på det i alla fall. Vi jobbar också en hel del med moraliska gråzoner, man kan till och med skönja cynism lite här och där.

Betyg: 4/5

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 14:e september, 2026. 

Detour (1945)

Detour är en B-film noir och ganska sunkigt gjord. Fotot, klippning och allmän filmteknik är undermåligt. Men filmen har en ganska intressant premiss.

Vi får följa vår huvudperson, en modern man det vill säga en mesiga man, via flashbacks hur han snärjs i en femme fatales nät och förintas.

Al Roberts (Tom Neal) kör bil mot Los Angeles. Han är trött och behöver sällskap. Valet faller på Vera spelad av Ann Savage (indeed!). Hon liftar och verkar allt annat än "savage" inledningsvis. Men i detta fall är det hon som är rovdjuret, inte han.

Det blir elände och mer elände för att sluta med ännu mer elände. Den "olycklige mannen" i film noir är härmed personifierad!

Tyvärr är Tom Neal inte bra nog för att spela denna potentiellt komplexa roll. Han ska vara en vanlig hygglig och reko man som totalt låter sig underkasta sig den kvinnliga lifterskan. Ann Savage spelar å sin sida över något groteskt. Även här hade filmen blivit mycket bättre med ett finlir, att låta hennes onska lura under ytan och inte komma i dagern så överdrivet. Man måste helt klart lägga mycket av skulden på regissör Edgar G. Ulmer. Han skulle skyfddat sin film med en bättre tonalitet och mindre verbalt splatter.

Men allt som allt en festlig film att ha sett och den ledde till ett kul samtal. Lyssna gärna på vårt samtal på podden.

Betyg: 2/5

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 14:e september, 2026. 

War Machine (2026)

Alan Ritchson. Det är anledningen till att jag gav denna sci-fi-action chansen. That's it.

Filmen är som en korsning mellan Arnolds Predator och Walter Hills Southern Comfort från 1981. En grupp soldater under träning möter en oväntad och överlägsen motståndare.

Ritchsons gäng är på "helvetesmarsch" som slutprov på Rangers-utbildningen och därmed har de ingen live ammunition. De inser snart att deras vapen ändå inte skulle kunna mäta sig med fiendens. Det gäller att klura ut en smart plan för att överleva. Filmen påminner lite om andra alien invasion filmer som Battle: Los Angeles eller varför inte Battleship.

Filmen är röjig och nog så spännande inledningsvis. Men det känns som att den tappar tempo desto längre in i filmen vi kommer. I alla fall tappar jag intresset lite. Den blir lite för predikterbar kanske.

Alan Ritchson är som vanligt njutbar att beskåda. Övriga kända namn är Jai Courtney som gör en lite roll som den stores broder. De ser ut att vara bröder ta mig tusan! Dennis Quaid spelar en gammal general. Han ser oändligt gammal ut nu. Jag kände också igen Esai Morale från en av Mission: Impossible-filmerna.

Patrick Hughes regisserade. Han gjorde The Hitman's Bodyguard och uppföljaren. De är klart bättre än denna film, om jag får drista mig med ett filmtips.

Habil actionfilm. Inte den bästa sci-fi jag sett, men inte heller den sämsta. Helt ok!

Betyg: 2/5

The Fortune Cookie (1966)

Jag hade höga förväntningar inför denna film, alldeles för höga förväntningar visade det sig. Jag brukar gilla Billy Wilders filmer och här hade vi en som jag inte sett.

Filmen har radarparet Jack Lemmon (bra) och Walter Matthau (enerverande) i rollerna som kameramannen Harry som knockats av en spelare på en NFL-match, respektive hans slajmiga svåger Willie som är en ren och skär "ambulance chaser".

Filmen ska föreställa en komedi, en satir och kanske en buddy comedy. Jag vet inte jag. Den var inte speciellt rolig. Och som satir var den blek, om något slog den in öppna dörrar. 

Samtidigt gör ju Billy Wilder det han gör bra skriver ett manus med etts tort hjärta och personregin sitter som en smäck. Förutom radarparet Lemmon/Matthau har vi Judi West i rollen som Harrys före detta fru Sandy och Ron Rich som Boom Boom, den olycklige punt returner'n som tror att han skadat Harry för livet.

Jag fannn dock att filmen saknade den charm som Wilders bästa filmer ofta har. Det blev mer skrikande och spydigheter än en fyndig eller vass dialog.

Jag funderade under filmtitten om jag till slut hittat en Wilder film som skulle få betyg etta, men efter filmens slut kände jag ändå att det vore att ta i så det får bli en med tvekan godkänd film, en svag tvåa!

Betyg: 2/5

Fantastic Voyage (1966)

 

50-talet brukar kallas "The golden age of science fiction cinema". 60-talet tog oss in i the atomic era och rymdåldern. I vilket fall var jag sugen att ge Fantastic Voyage chansen i projektet. Den verkade festlig.

Den har ungefär samma handling som actionkomedin Innerspace från 1987. Där såg vi Dennis Quaid, Meg Ryan och Martin Short. Mycket rolig film.

Fantastic Voyage bjuder på Stephen Boyd, Rachel Welch och Donald Pleasence. Filmen är också noterbart inte en komedi även om den är hilarious i vissa delar. Den spelas mer som ett seriöst sci-fi drama. Det är kalla kriget, lönnmord, en vetekskapsman som bär på en hemlighet men som hamnat i koma. De goda har en maskin, förminska en ubåt till en miniatyr och bege sig in i vetenskapsmannens kropp. Allt måste givetvis ske i en kamp mot klocka.

Jomenvisst, detta var väl ganska mysigt. Lite roligt som sagt att studera deras specialeffekter av diverse organ inne i människokroppen. Blodomloppet, örats irrvägar, kroppens försvarssoldater de mordiska vita blodkropparna osv.

Roligast bland spelarna var såklart Donald Pleasence. Han är inte riktigt lika galen som Klaus Kinski men inte långt efter. Att det var Mr. Pleasence som var the villain kom inte som en överraskning direkt, name recognition gick emot filmens försök att göra det till en överraskning.

Men nej, detta är inte en oumbärlig film. Kul för stunden, men inget att skriva hem om. En klockren "helt ok".

Betyg: 2/5

The Woman in the Window (1944)

Denna text lider av svår spoilerage! Läs på egen risk om ni inte sett filmen redan.

Här ser vi Edward G. Robinson i en skön blandning av Film Noir och Trollkarlen från Oz. Han spelar en gentleman som somnar i en läcker läderfåtölj på herrklubben, och där i stolen har en skön dröm som snart utvecklar sig till en mardröm.

När han väl vaknar upp och allt bara var en dröm får vi en förklaring på varför så många saker under filmen (drömmen) var så konstiga, tokigheter som jag först trodde var dåligt filmskapande men som "bara" var en dröm och vi vet ju hur vrickade drömmar kan te sig när vi vaknat. 

Likheterna med Trollkarlen från Oz är som störst när vi känner igen den ena efter den andra ur personalen på klubben som karaktärer i drömmen.

Robinson är stabil. Han ser lustig ut men han är något av en gigant inom skådespeleriet, det får man ge honom. Joan Bennett är bra som filmens kvinnliga huvudperson tillika kvinnan i fönstret (för övrigt något av en generalrepetition inför Laura kanhända). Här är hon knappast en femme fatale men ändå. 

Filmen utnyttjar flera av genrens tropes men den känns inte som en en fullfjättrad film noir ändå. Den känns mer som en fantasy-thriller eller något liknande, på samma sätt som Trollkearlen från OZ är en-fantasy-äventyrsfilm.

Ok, så detta var en kul film som snararst var mer intressant som objekt för ett samtal med Carl, än under själva titten. Lyssna gärna på vår poddavsnitt för en massa mer detaljer.

Betyg: 3/5 

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 7:e september, 2026. 

The Glass Key (1942)

The Glass Key med Alan Ladd och Veronica Lake är en intressant men tämligen rörig film noir. Alan Ladd spelar en gansters högra hand som måste balansera sin chefs nycker och fästmö, hans kontakt inom politiken som också är fästmöns pappa, och diverse sluga respektive våldsamma skurkar. Veronica Lake spelar chefens fästmö som allt eftersom blir mer och mer förtjust i Ladd. Det mest röriga handlar om mordet på politikerns odugliga son och den olycklige sonens ännu mer olyckliga flickvän. Filmen blir lite av en "who dunnit"?" mitt i allt.

Jag fann filmen tämligen intressant. Den har en tät stämning och får mig som åskådare i sitt grepp ganska snabbt. Filmen växer allt eftersom likheterna med bröderna Coens Miller's Crossing blir mer och mer tydliga. Alan Ladd spelar ju för tusan mer eller mindre samma roll som Gabriel Byrne i Coens film. Tja, det är känt sedan gammalt att bröderna blickar tillbaka på filmhistorien och låter sig påverkas av gamla filmer. Här känns det nästan som att det är en re-make men ändå inte.

Bra film och endast glada miner från mig. En stark trea!

Betyg: 3+/5

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 31:a augusti, 2026. 

Enola Holmes 3 (2026)

Så kommer vi till den tredje filmen i serien... Det är här hjulen börjar ramla av. Jag fann den eländigt dålig. I samtal med Frans, som förvisso såg filmen i helt andra ögon än jag, gissade jag att det tagits in en ny regissör för denna tredje film i trilogin. Och mycket riktigt det är någon pajsare vid namn Philip Barantini som regisserat. Jag läser senare på att detta dessutom är en original story, dvs inte baserad på en bokförlaga. Aha, allt har sin förklaring...

Filmen lider av flertalet continuity errors, små misstag som inte rör en när filmen i helhet är bra, men som blir ödesdigra när allt annat i filmen är svajjigt. Enola framstälsl som en egoistisk och närmast sociapatisk person vilket jag sannerligen inte tror var meningen. Flödet i filmen är svagt, det känns ofta som att scener staplas på varandra bara för att det tar den invecklade handlingen framåt, inte för att det makar sense i sammanhanget, ni vet det där problemet oerfarna eller talanglösa regissörer håller på med?

Filmen lider av samma problem som ibland sker när manusförfattare inte förstår bättre, att fokusera på actionsscener iställer för dramat eller karaktärernas interaktioner. Vi får flera scener där unga Enola medelst kung fu-sparkar och annat fajtas mot Moriarty. Som av en slump är de helt jämbördiga, vilket förlänger lidandet betänkligt.

En kul scen i slutet är när Enola ska rädda Sherlock och Tewksburys mamma från fängelsehålorna. Enola är utanför och hör dem skrika på hjälp (Sherlock???). Enola springer in och finner dem fjättrade vid stenväggen med munkavle på så att de inte kan prata med henne! Suck, detaljer som den unga publiken förväntas bortse ifrån?

Nu vänder jag mig och tittar rakt in i kameran. Den fjärde muren. Denna bedårande film använder inte den som en krydda, eller som ett överraskande avbrott för att åstadkomma en komisk effekt. Här används det så mycket att jag snarare ser det som att kameran, dvs vi åskådare, är bredvid Enola filmen igenom och hon tittar på och tilltalar oss mest hela tiden. Det känns totalt felanvänt och drar ner upplevelsen drastiskt.

Henry Cavill är inte med speciellt mycket. Helena får mer speltid och hon tar chansen till mer överspel. Någon sugen på att se henne köra en sketch med lustig dialekt så har ni denna film. Millie har vuxit upp ytterligare ett gäng år. Hon är en 22-23 år nu, hon är bra. Ingen skugga ska falla på henne. Förutom kanske att hon står listad som en av alla producers i credits och då borde hon sagt till och krävt bättre manus, bättre dialog och bättre genomförande all around. Nåväl hon är forfarande ung, vi kan inte kräva av henne att vara en Katharine Hepburn vid den åldern... Hepburn var 33 år när hon gjorde The Philadelphia Story.

Ok, så har vi dagens historielektion. Nu handlar det om att Storbrittanniens har blod på sina händer, en herrans massa blod. Kanske det mesta blodet i världshistorien. Alla engelska familjer, alla vita engelska familjer det vill säga, har blod på sina händer. De är kolonisatörer hela bunten. Fy och fä. 

I slutet av andra filmen presenterades vi för Dr Watson. Han spelas av Himseh Patel. Jag hajade glatt till då jag trodde att det var Nick Mohammed som spelar Nathan Shelley i Ted Lasso. De låter extrem lika på rösten i alla fall och med skägget och munderingen i övrigt blev jag lurad. Men icke. Nåväl om man undrar om den castingen får vi svaret i denna film. Det är som att han fick rollen enkom för att leverea en innerlig monolog om Englands synder i Indien. Historisk utbildning till de unga i publiken. Moriarty i Shannon Duncan-Brewsters skepnad adderar till lektionen när hon i sin monolog går all in mot det vita England. 

Det känns som att jag gick in på en italiensk restaurang och beställde en pastarätt som smakade bajs.

Betyg: 1/5

Enola Holmes 2 (2022)

Den första Enola Holmes-filmen var en lättsam och mysig period piece om Sherlocks yngre syster Enola. London under andra halvan av 1800-talet, en mysterium och charmiga skådespleare där Millie Bobby Brown och Henry Cavill stod ut.

När så Frans nämnde att han just sett trean blev jag ivrig. Trean!? Jag tog skyndsamt mig an att se ikapp tvåan som kom ut 2022 (tydligen).

Detta är som en snuttefilt, som comfort food. Man får det man önskar. Detta är inte fine dining och en upplevelse som skakar om livet. Det är gulligt mys och inte mycket mer. Eller? Det var i alla fall vad jag tänkte när jag tog mig an denna och den nyligen släppta trean. Men som det visade sig finns det mer i dessa filmer än vad jag först uppfattat.

Nåväl i tvåan har Enola startat en helt egen detektivbyrå. Påmanad av mamman ska en redig tjej klara sig själv! Hennes första uppdrag blir att leta reda på en försvunnen yngre dam, tillika storasyster till uppdragsgivaren. Enola stöter på en hemsk hemlighet och hon måste till och med samarbeta med bror sin Sherlock för att lösa mysteriet.

Filmen är bra gjord och miljöerna sitter som en smäck. Regissören Harry Bradbeer är dock långt från Chris Columbus i skills. Good enough utropar jag glatt!

Det är skådespeleriet jag blir mest indragen i. Millie Bobby Brown har vuxit upp lite från hennes tid i Stranger Things. Hon är charmig och det är finurligt när hon bryter den fjärde muren lite titt som tätt. Det är bättre de första gångerna, det blir lite tjatigt till slut men filmen håller sig på rätt sida. Millie gör sin Enola till en hel person med kött och blod. Good enough!

Favoriten i denna och övriga filmer i serien är dock Henry Cavill som Sherlock. Det är kul att se den store Henry Cavill spela andra eller är det till och med tredje fiolen på detta sätt. Han har en tyngd i sitt skådespel som står ut. Han är mycket medveten om att han gör detta som ett kul extraknäck. Kanske som en tjänst åt någon i branschen? Om någon vet eller hört honom prata om dessa filmer skriv av er i kommentarerna!

Ok, andrafiolen spelas nog ändå av Helena Bonham Carter som mamma Eudoria Holmes. Hon spelar en spännande karaktär. Det är kampen för kvinnors rätt och ett maniska coachande av Enola för att hon ska bli och förbli självständig som mest står ut. Tyvärr gör Helena Bonham Carter som vanligt, hon spelar över lite och ibland mycket. Hon är som en annan Jack Sparrow i en roll som med lite mer gravitas skulle ha kunnat bli så mycket bättre. Javisst, denna film vänder sig till en young-adult publik, men jag tycker att trots det ska filmen göras så bra som möjligt.

Filmens main villain är Moriarty spelad av Sharon Duncan-Brewster. Jag blev lite förvånad när en svart dam spelade Sherlocks gamle nemesis. Det var en oväntad variant. Lite oklart varför teamet gjorde detta val...? För att matcha filmens protagonist, unga Enola? En kvinna mot kvinna fight?

Förutom mysfaktorn bidrar dessa filmer med historielektioner också. I den första filmen belystes sufragetternas kamp för kvinnors rösträtt. Här är det missförhållanden på fabriker under den viktorianska eran. Den försvunna kvinnan Enola kämpar så för att hitta är baserad på den verkliga Sarah Chapman som typ startade den första strejken i England eller något sådant. 

Dessutom fick Moriarty (Shannon Duncan-Brewster) en lång monolog om hur fel det var att de vita var rika och hon var fattig. Det verkade som att det var enda fundament för hennes evil mastermind. Liten besvikelse om ni frågar mig. Jag hade nog en annan bild av den gode doktorn, mer i linje med Blofeld eller varför inte en annan ikoniska villain som Bellatrix Lestrange...

Ok, nu får det vara nog om denna film. Jag har ju en film till att skriva om nu!

Helt ok film. Den kommer inte upp i samma nivå som den första som förvisso hade den stora fördelen att få berätta en origin story, vilket vi vet alltid är mycket lättare. Det är sedan gammalt.

Betyg: 2/5

Stranger on the Third Floor (1940)

Vi inledde vår resa inom Classic Film Noir med Stranger on the Third Floor från 1940. Man ser lite här och där att denna film omnämns som den första Film Noir-filmen. Gott så, men de flesta anser faktiskt att The Maltese Falcon från 1941 är startskottet på genren. The Maltese Falcon var andra filmen i avsnittet och revy poå bloggen finns sedan tidigare.

Här möter vi Peter Lorre som the Stranger, John McGuire som den syniske journalisten Michael och Margaret Tallichet som flickvännen Julie. Peter Lorre är alltid intressant att beskåda, de övriga två var svaga.

Filmen har flera aspekter som vi förknippar med Film Noir med en stor skillnad i det att den har ett tillrättalagt och lyckligt slut. Det kanske man inte förväntar sih av en fullfjättrad Film Noir.

Men vi får i alla fall karaktärer med tveksam moral och etik, snygga fotovinklar med knivskarpa skuggor. Stora delar av filmen, för stora till och med, berättas via voice over. Filmen behandlar den manliga huvudpersonens samvetskval över vad han gjort. Allt detta passar in i Film Noir. De gjorde ett bra försök, kom 80% i mål. Det hastigt ihopknåpade lyckliga slutet var dock malplacerat.

Det var en bra första film. Vi fick doppa våra tår i genren, och vi kände att vi äntligen var på väg. MEn filmen kommer stor med sannolikhet hamna i bottenskrapet av våra valda filmer.

Betyg: 2/5

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 24:e augusti, 2026. 

Heat (1995)

Som på beställning kom Heat på någon tv-kanal just som jag hade skrivit mina texter om de tre urfäderna till moderna crime-filmer. Efter förtvivlat sökande insåg jag att jag inte skrivit om Heat på bloggen. Quelle faux pas!

Heat är en otroligt bra film och en klockren 5 av 5 i min bok. Michael Mann har gjort ett filmiskt mästerverk. 

Det har runnit mycket vatten under bron sedan Little Caesar, The Public Enemy och Scarface men Hollywood lever fortfarande mer eller mindre under samma regler som de filmerna hade att tampas med. Kan det vara dessa regler som styrt Manns val av slutscen? Manns film har trots att den är fullständigt utsökt, magisk till och med, ett i mina ögon simpelt och trist tillrättalagt slut. Damn it. 

Filmen som byggt upp Neils karaktär under över 150 minuter skulle kunna få en att tro att han skulle varit vass nog att navigera slutet på ett bättre sätt (för honom). Men det känns som att Hollywoods playbook dikterar ett slut där polisen vinner mot skurken, rakt emot vad filmen varit upp till den punkten. Men slutet stämmer in om de regler som etablerades redan på det tidiga 1930-talet tilläts påverka producenterna. 

Jag tror inte att reglerna är obligatoriska, mer att de följs för att det är så "vi alltid har gjort". Det gäller att få in cashen och då vill producenter minimera risker. Det finns säkert många exempel på (små) filmer som bryter mot ovan regel, men kanske inte så många som är storfilmer lik Manns Heat...

När filmer går på tv och jag blir sugen att se om dem brukar jag slå över till mitt ex av filmen på BR när den så förhatliga reklamen dyker upp. Reklam mitt i en film förstör film. Och då kan jag också, som jag alltid gör nu för tiden, slå av filmen just efter Neil har lämnat en förvirrad Eady och vi ser Vincent springa genom kaoset av sjukhuspersonal och patienter. Det är där filmen borde slutat. Tycker jag i alla fall.

Men detta är i sammanhanget faktiskt en petitess för fram till dess är detta en ren masterclass. Manus, dialog, och skådespelare är otroliga. Favoriter är Val Kilmer, Robert De Niro, Jon Voigt och Ashley Judd. 

Javisst, Al Pacino är med också. Har jag glömt honom? Sannerligen icke, och han är bra, men han spelar över en gnutta tyvärr. Eller mycket. 

Hank Azaria är ljuvligt underhållande i en film som inte lever på sin humor. Men egentligen är alla skådespelare mer eller mindre perfekta. Fotot är dessutom ljuvligt och ljuddesignen och musiken är utomjordiskt bra.

Några favoritscener och sekvenser:

• Charlene varnar och tar farväl till Chris med en liten handrörelse (blir alltid dammig i rummet, otroligt stark scen tydligen, det är något där med hennes lojalitet trots alla problemen som kniper runt hjärtat...)
• Bankrånet och efterföljande shoot-outen (koreografi och ljuddesign i perfekt symbios)
• När Vincent inser att det är dem själva Neil betraktar (katt och råtta-leken mellan poliser och Neils gäng, två extremt kompetenta team)
• Scenen när Neil och team ska hämta pengar från Van Zants killar (gillar att se smarta professionella göra saker)
• Alla scener mellan Neil och Nate (Nate coolaste karaktären i filmen)

Detta är en 5 av 5 och helt klart en film i min privata filmiska "panteon".

Betyg: 5/5

Scarface (1932)

The World Is Yours.

Året efter Little Caesar och The Public Enemy kom Howard Hawks Scarface ut. Filmen finansierades och producerades av Hawks och flygmagnaten Howard Hughes. Filmen var så kontroversiell att den förbjöds i vissa städer i USA, bland andra New York City. Ett nytt mesigare slut filmades men den passerade ändå inte de panikartade männen i censurbyrån. Då beslutade Hughes att släppa originalfilmen och den gjorde succé varhelst den visades. Manus är skrivet av Ben Hecht som vi sett flera filmer av, bland annat His Girl Friday.

Detta är filmen Brian de Palma gjorde 1983 en re-make på med Al Pacino i huvudrollen. Den har de flesta redan sett. Ruskig film för övrigt.

Här är det Paul Muni i rollen som Tony Camonte, George Rafe som Guino Rinaldo och Ann Dvorak som Tonys syster Cesca.

Filmen inleds med att Tony mördar någon rival, ett av många hemska brott på hans väg till slutet. Scenen är häftigt filmad. Vi ser vad som händer genom en glasvägg med frostat glas. Allt vi ser är knivskarpa skuggor. Jag blir akut medveten om att poddsäsongen kommer handla om Classic Film Noir.

Paul Muni är bra och filmen är intressant hela tiden, men det är slutsekvenserna som är filmens höjdpunkt för mi.  Cesca vill utkräva hämnd på Tony men ångrar sig, polisen som omringar dem hemma i Tonys lägenhet ombyggd till en svårforcerad bunker och de allra sista andetagen av Tonys liv. 

Detta var den bästa av de tre gangsterfilmerna helt klart. De har alla i någon mening liknande handling, men de bjuder på lite olika vinklar på temat. Jag gillade känslan av realism i denna och tror att det kan ha att göra med Howard Hawks handlag, det skadar aldrig med en mästare bakom kameran.

Betyg: 3/5

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 17:e augusti, 2026. 

The Public Enemy (1931)

Några få månader efter Little Caesar kom The Public Enemy ut. Detta är ytterligare en historia om uppgång och fall. Båda filmerna har en liknande övergripande handling. 

I denna film får via kronologiska små scener, vinjetter, följa Tom Powers och kompisen Matt Doyle stiga i graderna i gangstervärlden i Chicago under 25 år. Men som vi vet kan det aldrig sluta bra för ärelystna gangsters. Filmens mest minnesvärda scen är dess spektakulära slut. Den skakar om mig lite trots filmens ålder. 

Filmen behandlar psykologiska och filosofiska aspekter om att vara en gangster. Vår huvudperson har en hjältemodig storebror nyss hemkommen från flottan. Broderna accepterar inte vad Tom livnär sig på. Konflikt mellan en god och en ond broder. Tom härjar på i gangstervärlden och bygger upp ett rykte om att vara mycket brutal, men hemma hos mamma och bror sin blir han aldrig respekterad. 

I huvudrollen ser vi James Cagney och han är riktigt bra. Han har ett säreget utseende och till det en stor personlighet på den vita duken. Överlag känns filmen gammal rent filmtekniskt. Den ser mörk och ful ut även om det bättrar sig en del efter inledningen. Cagneys skådespeleri och slutscenen tar jag dock med mig som filmens ljuspunkter.

Betyg: 2,5/5

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 17:e augusti, 2026. 

Little Caesar (1931)

Mother of Mercy! Is this the end of Rico?

Little Caesar är en av tre gangsterfilmer jag och Carl såg inför uppsnacksavsnittet för Film Noir-podden. 

Little Caesar, Public Enemy och inte minst Scarface (originalfilmen) är alla omtalade och stilsättande filmer inom filmhistorien. De sägs ha lagt grunden inför Film Noir som bubblade upp ett decennier senare.

Här får vi följa smågangstrarna Rico (Little Caesar) och vännen Joe i ett Chicago på 30-talet. Joe vill bli en sång- och dansman och på så sätt ta sig ut ur livet som skurk. Rico är däremot en ärelysten jäkel och vägen till framgång är att ha mer våldskapital än konkurrenterna, sant då och sant idag. Han utmanövrerar snabbt den lokala bossen och tar sig uppåt i syndikatets ledarskikt.

Filmerna är pre-code och tar sig friheter med teman, våld och berättarstil, men det är fortfarande omöjligt med en film där en skurk ”vinner” och denna film likväl de övriga två vi såg inför uppsnacket  är ” uppgång och fall”-filmer.

Edward G. Robinson spelar Rico, Douglas Fairbanks Joe och Ralph Ince spelar Pete Montana.

Filmen är smårolig och det är en film som ändå omtalas som den första gangsterfilmen. Klart värt att ge en titt. 

Den kom ut i januari 1931, något år efter talfilm slagit igenom. Det historiska arvet märks via de textskyltar som lite då och då visas upp i filmen, trots att det är en talfilm.

Betyg: 2/5

Lyssna på Shinypoddens Film Noir-säsonger. Denna film diskuterades under avsnittet publicerat den 17:e augusti, 2026. 

To Be or Not to Be (1942)

Sista filmen i Screwball Comedy-podden var en svår nöt att knäcka. Här har vi en film som täcker över två genrer som lätt kan kännas som oförenliga. Vi har en förvecklingskomedi med misstagna identiteter och annat härligt, men den är också ett krigsdrama om en teatergrupp mestadels bestående av judar i Warszawa under nazistockupationen under 1940-talet. 

Filmen inleds och avslutas mer som ett drama än en komedi. Men under stora delar av andra halvan är den dock en renodlad komedi. Om man vill att en film ska ha en konstant tonalitet är denna film en utmaning. Humor kan vara en förlösande och ibland nödvändig omväxling i riktigt tunga dramer. Men det är inte fallet i denna film. Här är det mer som två olika filmer, en komedi och ett drama med samma manus som gär parallellt, ibland ser vi lite av den ena och ibland lite av den andra och så växlar det så lite fram och tillbaka.

Tja, det är en svår balansgång. En film som Taika Waititis Jojo Rabbit försöker sig också denna balansgång och lyckas så väl även att den är en av de roligaste och sorgligaste filmerna jag sett de senaste 20 åren. To Be or Not To Be är måhända mer känd i filmhistorien, men den kommer inte upp i den nivån.

Precis som i Chaplins The Dictator avslutas To Be or Not To Be med en innerlig monolog. Monologer som jag tar med mig långt efter filmen rullat klart. 

Carole Lombard är filmens stjärna i huvudrollen som den modiga Maria Tura, och Jack Benny är mycket bra i rollen som hennes avundsjuka och lite svartsjuka make Joseph Tura. Paret Tura emot hela den nazistiska maskinen. Felix Bressart som Greensboro får inte mycket speltid tills hans slutmonolog. 

Filmen påminner mig om senare alster som tv-serierna Hemliga armén och dess spoof ’Allo ’Allo hemliga armén, samt Tarantinos Inglourious Basterds och Bob Fosses Cabaret från 1972.

Helt klart en bra film, innerlig, om än lite svårplacerad genremässigt. Jag skulle inte i första hand kalla den för en Screwball Comedy. Eller?

Betyg: 4/5

Lyssna gärna på Shinypodden Screwball Comedy-säsongen där jag och Carl fasas över krigets hemskheter. Avsnittet släpptes den 13:e juli, 2026.